MANZANO EN FLOR (1912)

Pieter Cornelis Mondriaan, más conocido como Piet Mondrian (1872-1944) fue un pintor vanguardista holandés y fundador del neoplasticismo. Fue miembro de De Stijl (que fundó Theo Van Doesburg) y sufrió una gran evolución de la figuración hasta la abstracción, de la cual es uno de los mejores representantes. De Stijl era una revista creada en 1917 en París, de la cual Piet Mondrian se puede considerar el representante. Todas sus obras son muy similares, no cuesta reconocerlas frente a las de otros autores. Mondrian pertenece al cubismo.

El cubismo es un sistema visual concreto, que está dominado por una planivisión (para los cubistas es una división de  la realidad en planos, pero esos planos no los vemos como nosotros los vemos habitualmente, sino que va a haber una visión interior de ellos, cada cubista lo hace de forma diferente). Es una contemplación de la realidad figurativa. A partir de aquí todavía no vamos a llegar a la abstracción. El artista ve la realidad planificándola en diferentes planos. Poco a poco esos planos van a ir haciendo que el contacto con la realidad vaya siendo cada vez menor, de tal manera que el cubismo va a ir evolucionando y va siendo cada vez más hermético (un cubismo donde solamente la pintura son planos pero ya no hay una adecuación con la realidad, auténticamente no se puede decir que es una abstracción pero en realidad el espectador no sabe lo que el artista quiere plasmar porque no lo identifica con la realidad).

La obra “Manzano en flor” fue creada en 1912. En ella están presentes los planos geometrizados. Tiene una gama cromática en la que utiliza únicamente los colores que él denomina como colores puros, entre los que predomina el gris y los colores fríos como el azul. En este cuadro Mondrian pretende la contemplación de la realidad a base de planos, pertenece por tanto al cubismo analítico, el cual descubre a partir de1911 y hasta 1914. Todavía no se trata de una abstracción total (o geométrica) en el que solamente le interesa la línea recta. La experimentación que hace Mondrian del cubismo analítico tiende hacia una abstracción mayor que se basa en la bidimensionalidad de los cuadros y en la pérdida de las composiciones. Todo esto nos lleva a formas casi absolutamente geométricas, como se puede ver perfectamente en esta obra las formas geométricas invaden la composición. Se trata sobre todo de óvalos, esferas… que el receptor simplifica.  

Para trazar la línea de las figuras utiliza un contorno grueso y negro. Se trata de líneas que cumplen la continuidad y que dan una sensación de volumen por su intensidad. Hay una existencia de gradaciones de color y contrastes, y en los bordes del cuadro una luz clara. En cuanto a su composición se trata de una distribución de figuras complejas y líneas curvas. La obra es estática, subjetiva y original.

Para Mondrian, la esférica indefinida y la continuidad lineal reflejan un conflicto dramático.

BIBLIOGRAFIA:

http://www.slideshare.net/algargos/piet-mondrian-1872-1944

http://algargosarte.lacoctelera.net/post/2010/03/23/piet-mondrian-la-figuraci-n-la-abstracci-n-geom-trica-del

http://www.epdlp.com/pintor.php?id=314

http://www.museothyssen.org/thyssen/ficha_artista/411

VIDEOS DE INTERÉS:

Sobre sus obras:

http://www.youtube.com/watch?v=9fmiKOOvLUo

Documental acerca de la vida e historia de Piet Mondrian:

http://www.youtube.com/watch?v=S74KsagbY_0

El retrato en la publicidad.

“Mujer sentada con vestido azul” es un cuadro realizado por Amadeo Modigliani en 1918. El autor tiene una obra extensa que consta de dos temas fundamentalmente: retratos y desnudos femeninos. Fue un pintor y escultor italiano perteneciente a la Escuela de París. Sus cuadros están cargados de sensualidad e insinuación.

Es un cuadro de una gran sencillez formal y compositiva por los colores utilizados. Su rostro alargado hace que destaque aún más la nariz afilada y fina. De cabello moreno y con un corte muy recto, con tonos casi azulados casi como su vestido.

Cabe destacar el cuello alargado de la mujer, tan característicos de los personajes pintados por Amadeo, en los cuales cuenta con un canon alargado y una importancia de las líneas curvas como podemos observar (en manos, codos, rostro…)

Son figuras burguesas las que posan para él, de las cuales Modigliani intenta mostrarnos su psicología. No pierde el tiempo en detalles, se centra simplemente en la figura humana, y por ello en la mayoría de las mujeres retratadas no aparecen definidos los ojos. La mujer está de frente, sentada en una silla y con la mirada fija al frente, mirando al espectador. La impresión que dan sus ojos oscuros, nada detallados, es de sufrimiento, de angustia, de dolor…

Por la sensación que transmiten sus ojos, podemos observar que su boca no está curvada. Sus labios son pequeños y en color rojizo. Su sonrisa no está del todo marcada, las líneas de la boca nos hacen pensar que no es feliz. Transmite preocupación e incluso nostalgia.

El cuadro reconocido por la mayoría del público ha sido utilizado en una campaña publicitaria de venta de marcos, denominada Analcai. La obra se utiliza casi como tal, lo único que se le añade es un marco que es el producto que se anuncia, tal y como se muestra en esta imagen. El cuadro utilizado no es precisamente sencillo, sino todo lo contrario. Está muy elaborado y con muchos adornos, de los que se usan para enmarcar obras de arte con categoría. Para darle protagonismo al marco, pone un eslogan que dice: “Es un Analcai”, expresión utilizada para las obras de arte. Y finalmente como fondo eligen un rojo, simulando el terciopelo en el que se envuelven joyas y obras de prestigio.

 BIBLIOGRAFÍA:

http://www.modigliani-foundation.org/

http://aniublog.wordpress.com/2009/02/08/modigliani/

http://www.vamosapublicidad.com/category/bachillerato/historia-del-arte-bachillerato/

http://www.google.com/images/

http://www.arte10.com/blogs/rss/ENSE%D1-ARTE?page=10

http://elpais.com/diario/2009/10/24/babelia/1256343159_850215.html

Toulouse-Lautrec.

Estamos ante una obra de Henri Toulouse-Lautrec, uno de los más importantes dibujantes y pintores del modernismo, considerado como el primer cartelista de la historia. Sus obras influirán posteriormente en el movimiento impresionista. Se trata de un artista innato seducido por los bajos fondos en su vida nocturna, cliente asiduo de bares, teatros, cabarets… Retrata perfectamente el ambiente bohemio y festivo parisino. Con él el cartel llega a la categoría de obra de arte. Sus carteles parten de su antecesor Chéret para llegar más alto.

Este cartel es denominado con el nombre de “Confetti” y es uno de los trabajos más reconocidos de su época londinense. En un primer momento  Toulouse solo anunciaba carteles en relación a cabarets, prostíbulos y circos pero poco a poco va apareciendo en sus carteles figuras concretas con el fin de anunciarlas. Comienza a utilizar artistas para publicitarlos con sus obras tratando de individualizarlas y esto es algo bastante novedoso.  En el aparece una mujer como protagonista principal, se trata de Missie, una pianista parisina de muy conocido prestigio en ese momento que fue la musa de numerosos artistas para los que posó.

El soporte del cartel es una lámina de papel, aunque Toulouse Lautrec también fuera un gran pintor a óleo. Está muy bien realizado a la hora de la ejecución de la pintura, aunque no tan bien articulado a la hora de la tipografía, la cual queda en segundo plano dando una visión jerárquica al espectador. Se trata de unas letras negras muy finas, simples y separadas sobre el fondo claro.

Del extremo superior izquierdo se dejan ver unas manos en sombra tirando confeti a la artista, haciendo del confeti un símbolo claro y evidente de la obra. Lautrec utiliza figuras sombreadas o poco coloreadas para que apenas destaquen, pero las dibuja porque son necesarias para la composición del cartel. Un poco más abajo el nombre de la obra “Confetti” y a continuación la figura de la mujer con una posición muy desequilibrada para indicar que está en movimiento. Finalmente abajo y a la derecha del cartel está la firma que acostumbraba a utilizar Toulouse.

El cartel consta de colores cálidos (naranja, amarillo…) en consonancia con la melena de la protagonista, a quien Toulouse dibuja simulando un desequilibrio y rompiendo el eje vertical. Cabe destacar la inestabilidad con figuras claras como el título de la obra inclinado, el pelo, el sombrero al que sujeta fuertemente para que no se le caiga, los brazos alzados al a cabeza… La pianista tiene los labios pintados de rojo y unos guantes negros a la par que el collar, que rompen con la tinta plana del cartel. Lleva puesto un vestido blanco en el que resaltan las líneas curvas negras con distintos grosores.

En cuanto a componente estético resalta el atractivo de la figura, la precisión del dibujo, las transparencias y los colores planos y cálidos.